De l’utilité du repérage.

A l’extérieur on est tributaire des conditions climatiques qui vont déterminer le rendu de l’image.

Contrairement au studio ou tout est sous contrôle, en extérieur le photographe doit s’adapter à une multitude de paramètres. Pour ne pas tout subir au moment de la prise de vue, des repérages réfléchis s’imposent. On parle ici de travail créatif, à mi chemin entre reportage et fiction, c’est le cas du concours.

Les éléments qu’il faut prendre en compte : 

Le décor : Un paysage, au sens large du thème, peut être photogénique en temps que tel sans pour autant constituer un décor. Il fat savoir isoler les éléments graphiques qui par le cadrage et la composition vont constituer l’essentiel de la construction de l’image.

La lumière : En constante évolution tout au long de la journée, elle change tant au niveau de la quantité (voir la cellule) que de sa qualité (balance des couleurs).

L’éclairage : Lui aussi change, mais plus à cause de la météo. Les repérages se feront beaucoup en fonction de la nature des ombres, du lieu et de l’heure. En plein soleil le contraste est fort, les ombres sont denses (foncées) et nettes. Par temps plus ou moins nuageux, le contraste est plus ou moins faible, les ombres sont floues, atténuées, voir nulles. Un même endroit le matin ne rendra pas du tout de la même façon à une autre heure de la journée.

Les couleurs : Directement reliées à la notion d’éclairage, la saturation des couleurs va elle aussi subir des changements. En plein soleil, les couleurs seront plus vives, elles paraîtront plus ternes par temps couvert.

Le matériel : Quel objectif utiliser ? Un trépied est il nécessaire ? Faut il amener un éclairage d’appoint (flash) ? un réflecteur ?

Autant de questions qui vous permettront de prévisualiser votre photo:

Lumière et éclairage, ma définition : 
L’éclairage c’est la façon dont on amène la lumière sur le sujet. C’est aussi l’art de créer ou de saisir une ambiance. Si la lumière peut être étudiée, mesurée, quantifiée scientifiquement  la notion d’éclairage a une connotation artistique.

Lumière et température de couleur Tc (en kelvins>K)
C’est une qualité de la lumière  En argentique, seulement deux références : lumière du jour : 5550 K (midi pour faire simple) et lumière artificielle : 3200 K (les projecteurs cinéma/photo et par extension les lampes à filament). Si on veut une grande fidélité des couleurs, on utilise le film adéquate et on s’adapte grâce à des filtres de couleurs. Dans les menus des APN le choix est plus large, c’est ce que l’on trouve maintenant sous l’appellation de balance des couleurs.

Décodons :

Ensoleillé : Lumière du jour > midi > 5550 K
Ombragé : Corrige la petite dominante bleu due au ciel
Nuageux : Corrige la petite dominante bleu due au ciel nuageux.
Incandescent : Les lampes à filament > 3200 K
Flash : Idem que la lumière du jour
Fluorescent : Les néons > plusieurs réglages possibles.

Par exemple, un coucher de soleil avec un réglage « ensoleillé » (midi) restera du plus bel effet avec une ambiance très chaude.

Vous l’avez compris, tout au long de ces conseils que j’ai voulus simples et efficaces, si la photo est un formidable moyen d’expression, c’est la maîtrise des données techniques qui va permettre la pertinence du langage.
Jeunes enfants, adolescents, adultes, amateurs ou professionnels…à vos objectifs….!

Merci à tous,

Bernard Naccache

Une bonne exposition est le gage d’une bonne qualité de l’image, de sa lisibilité et de son traitement optimum. C’est un couple vitesse/ouverture (diaphragme) en fonction de la sensibilité du film ou du capteur.

La lumière a une action sur un film ou un capteur. Pendant l’exposition le capteur reçoit toujours une quantité de lumière pendant un certain temps. Le diaphragme détermine la quantité, l’obturateur le temps.

L’exposition est donc toujours le couple vitesse/diaphragme. Ex : 1/2 sec à f/22   1/1000 à f/5,6…

Si on devait faire une analogie avec le remplissage d’une bouteille (la pellicule, le capteur), le débit serait le diaphragme et l’obturateur serait la vitesse (le temps pendant que le robinet resterait ouvert). Quand le débit est petit, le robinet doit être ouvert longtemps et inversement, ce qui induit la loi de la réciprocité.

Les APN intègrent plusieurs modes d’expositions automatiques P.A.S un M manuel…et deux molettes de réglage  une pour la vitesse et une pour le diaphragme qui vont, dans le viseur, agir sur une jauge. Le but étant de ne garder que la barre du milieu.
Si l’exposition est trop forte, la photo sera claire on dit « surexposée, trop faible, la photo sera foncée, on dit sous exposée. Dans les deux cas des détails seront perdus.

L’appareil qui mesure et donne les valeurs de vitesse et de diaphragme en fonction de la lumière est la cellule photoélectrique appelé aussi posemètre  Il peut être indépendant ou intégré à l’appareil.
Tous les appareils ont une cellule intégrée avec l’avantage de mesurer à travers l’objectif (TTL).

La sensibilité Autrefois soit en ASA ou en DIN la norme ISO intègre maintenant les deux (ASA : American standards association- DIN : Deutsch Industrie Normen). On la trouve notée sur les boites de film de cette façon : ISO 100/21°

Pour une logique pratique*, on utilise la partie ASA ISO 100/21°. Ici 100 (21° étant les anciens DIN). D’ailleurs dans les menus des APN on ne trouve plus la référence aux anciens DIN.
Pour les nostalgiques de l’argentique, on peut dire que ISO=ASA.

Ce chiffre indique la sensibilité du film ou du capteur à la lumière. Plus il est élevé, plus le film est sensible. Une sensibilité élevée permet de faire des photos en faible lumière avec cependant, une certaine dégradation de l’image : apparition du grain en argentique et du « bruit » en numérique. La meilleure qualité en terme de rendu est obtenue avec une sensibilité plutôt basse (100/200 ISO)

Les appareils de bonne qualité on maintenant des capteurs qui allient haute sensibilité et contrôle du bruit numérique. Certains logiciels aussi le traitent de façon satisfaisante en post production.
Pour une photo travaillée, réfléchie, en dehors des contraintes de rapidité du reportage, je préfère nettement le contrôle manuel M des réglages.

Les priorités

Après avoir affiché la sensibilité en fonction de la lumière disponible, on choisit :

• Soit une vitesse rapide (ex: 1/500ème) si le sujet bouge et grâce à la molette et de l’indication de la cellule dans le viseur on règle l’ouverture du diaphragme. 
• Soit un diaphragme fermé (ex:f/16) si on souhaite une grande profondeur de champ et grâce à la molette et de l’indication de la cellule dans le viseur on règle la vitesse.

Le braqueting : Dans les cas difficiles, on fait plusieurs photos autour du réglage de base, pour ensuite ne pas garder que la meilleure.

Merci à tous, à la semaine prochaine
Bernard Naccache 

En argentique c’est le négatif qui fait référence, de son interprétation va dépendre la qualité du tirage. Les formats numériques n’échappent pas à la règle.

Tout au long du processus, de la prise de vue au tirage ou à l’écran, pour archiver ses images, le photographe va utiliser plusieurs formats et une méthode de travail. Certains APN, dés la prise de vue, se voient appliquer de façon définitive des compressions et autres ré échantillonnages qui vont compromettre la qualité.

Dés la prise de vue. 

Le RAW à privilégier, RAW signifie brut (de capteur). Le fichier n’a enregistré que des données informatiques, tout est encore sous contrôle. L’image sur la carte n’existe pas dans le sens ou on l’entend, pas d’utilisation possible. Il a besoin d’un logiciel ou d’un plug’in pour être converti, on dit « développé ».

Ses avantages : Il n’a subit aucune modification (compression, couleurs…). Des corrections majeurs peuvent être apporter sans compromettre les informations.  Si dans l’avenir des progrès sur son traitement surviennent, vos fichiers en bénéficieront.

Ses inconvénients : A ce stade, il n’est pas universel, chaque marque ayant son propre RAW : Canon > .crw  Minolta > .mrw   Nikon > .nef  Olympus > .orf   Pentax > .ptx

Il est très lourd et prend beaucoup de place sur les supports numériques. Il est appelé, à terme, à disparaître au profit d’un format plus universel le.DNG>Digital NéGatif (Adobe).
Personnellement pour les pérénniser, j’arhive mes meilleurs clichés dans ce format.

Après traitement de la photo l’exportation varie selon l’utilisation : 

TIFF ou .tiff c’est le format idéal pour un traitement (couleurs, définition…) et un tirage de qualité. Supporte plusieurs colorimétries RVB, CMJN, N&B.

JPEG ou .jpg : Si c’est le format le plus répandu, c’est aussi le plus léger au détriment de la qualité de l’image.
Ses avantages : Léger et pratique pour l’envoi et l’affichage sur le web.
Ses inconvénients : Compressions avec pertes qui permet de déterminer le ratio taille/qualité. A proscrire pour l’archivage et le traitement. Ne supporte pas le CMJN pour l’impression.

Pour le concours Cannes Photo Awards : 

• Vous faites la photo de préférence en RAW
• Vous l’ouvrez et la travailler pour l’enregistrement sous en TIFF en 300 ppp (ou dpi) pour votre imprimante.
• Vous réduisez les dimensions (environ 45 cm x 30 cm) en gardant une résolution de 72 ppp (ou dpi) de façon à obtenir un fichier de 1 Mo maximum que vous enregistrez sous .jpeg en qualité maximale.
  C’est ce fichier que vous devez joindre à votre inscription.

Si vous êtes sélectionné(e), on vous demandera le cliché original qui servira à la confection des tirages de grands formats pour l’exposition sur le port de Cannes.

La couleur en photo numérique 

La gestion de la couleur est un élément important de l’imagerie numérique. Dans les menus des APN, on peut choisir à la prise de vue comment les couleurs vont apparaître selon que vous destinez les photos à l’impression ou à un affichage sur un écran :
RVB 98 c’est le mode le plus large pour les imprimeurs
sRVB C’est le mode adapté pour les écrans, les vidéoprojecteurs…

Personnellement je photographie toujours en RVB 98 quitte à, ensuite, le convertir le fichier en sRVB pour une utilisation « écrans », à l’inverse étant plus préjudiciable au bon rendu des couleurs.

Merci à tous, à la semaine prochaine.

Bernard Naccache

Pour ce huitième conseil, nous allons découvrir le Paquebot France, fleuron des paquebots de croisière des années 1960, à destination de New York.

Une ligne splendide, un confort exceptionnel, une décoration renouvelée, un comportement à la mer remarquable et d’excellence performances… La préoccupation majeure de tous les artisans du FRANCE a simplement été celle d’une exploitation aussi économique et rentable que possible: C’est cette double notion qu’ils ont eue constamment à l’esprit.

Le 11 janvier 1962, le paquebot France était inauguré au Havre. Le 3 février 1962, avec 1958 passagers, le FRANCE part du HAVRE pour son premier voyage transatlantique. Il arrive à New York le 8 février 1962 sous une parade de remorqueurs, de bateaux pompes, de vols d’hélicoptères.

Avec la démocratisation de l’avion, le navire n’est plus rentable. Son désarmement est décidé. L’image du France amarré au quai de l’oubli est restée dans les mémoires de ceux qui avec passion auront tenté l’impossible pour le sauver .

Il y a 30 ans, le paquebot FRANCE devenu « NORWAY » quittait définitivement Le Havre après avoir croupi 5 ans au quai de l’oubli. Avec le départ de FRANCE, Le Havre tirait un trait sur 125 ans de relations transatlantiques avec New-York.

Le France deviendra alors le Norway en 1979, il assure, après plusieurs transformations, des croisières en mer des Caraïbes. Revendu à un ferrailleur, il est rebaptisé Blue Lady en 2006 et son démantèlement prend fin en 2009 en Inde, sur le chantier d’Alang.

Actuellement, il est rare d’admirer une belle ligne sur les nouveaux paquebots. En effet, à l’heure du rendement, ces navires sont devenues de véritable ville, et l’on peut remarquer que leur ligne ressemble plus á un immeuble qu’à un paquebot des années 60. Donc le design du France, reste un hymne au savoir-faire français, au voyage transatlantique et au rêve de voyage.

Le gigantisme du navire est difficile à appréhender en photographie. Le confronter à son environnement ou réduire votre champ de vision sur certains de ces détails, permet de le rendre plus abordable.

Temps de construction :
4 ans, 1 mois et 13 jours.

Taille du bateau: 11 ponts, 2 piscines, 22
ascenseurs.

Longueur: 315.66m, largeur: 33.70m, tirant d’eau : 4.76 m, hauteur: 54.40m, poids: 57500 tonnes, vitesse de route 30-31 nœuds (60 km/h), 1122 membres d’équipage. Prix du paquebot pour sa construction: 40 milliards d’anciens francs.

Merci à tous, à la semaine prochaine.
Stéphane CESNEAU

Les affres de la profondeur de champ (Pdc) ou comment avoir tout net (ou presque) sur une photo.

Postulats
Le diaphragme c’est d’abord le mécanisme (à Iris) composé de lamelles entre les lentilles qui va doser la quantité de lumière qui passe par l’objectif.

Donc quand on règle le diaphragme on règle l’ouverture relative.
Plus ouvert / peu de Pdc <   … 1,4 – 2 – 2,8 – 4 – 5,6 – 8 – 11 – 16 – 22 … > Plus fermé /  plus de Pdc

La mise au point c’est le réglage de la distance de l’appareil au sujet.

Quand on regarde dans le viseur, l’objectif est ouvert au maximum (tous les appareils le font) on parle de pleine ouverture. Pendant la visée l’image est très claire et seule la partie du sujet à la distance affichée est nette. Devant et derrière lui tout est flou.
Si on fait la mise au point sur une rangée de personne contre un mur, sur l’un d’entre eux, tous seront nets puisqu’ils sont sur le même plan. S’ils sont en file indienne, le sujet s’étale en profondeur et là tout le monde n’est pas net.

Définition de la profondeur de champs
C’est une zone de netteté qui s’étend de part et d’autre l’endroit où on a fait la mise au point  quand on ferme le diaphragme*. Cette zone n’est pas symétrique, elle est plus importante derrière 2/3 que devant 1/3 le plan de mise au point.

Quand on prend une photo, le diaphragme se ferme à la valeur choisie, la profondeur de champs devient effective sur le capteur, puis se ré-ouvre pour retrouver une visée claire.

Les objectifs et la profondeur de champs
Les grands angles ont dans leurs « gènes » beaucoup de profondeur de champs.
Les télés ont dans leurs « gènes » peu de profondeur de champs.
Les gros plans : Quand on fait de la macrophotographie la profondeur de champs se réduit énormément.

Isoler un sujet : Si par exemple on fait un portrait, on prend un petit télé, on fait la mise au point sur les yeux, on trouve l’exposition qui permet une faible profondeur de champs (pleine ouverture) et l’arrière plan est tellement flou qu’il en devient artistique.

La gestion de la profondeur de champs : Le photographe détermine la partie du sujet qu’il veut nette (un premier plan et un arrière plan), il fait la mise au point au premier tiers avant. Plus on ferme le diaphragme et plus la profondeur de champs augmente de part et d’autre la mise au point.

Le contrôle de la profondeur de champs : Beaucoup d’appareils ont un bouton de profondeur de champs. En appuyant sur ce bouton pendant la visée le diaphragme se ferme, l’image s’assombrit, on visualise ainsi la zone de netteté obtenue.
Beaucoup d’objectifs ont une échelle de profondeur de champ près des informations de distance.

Pour information : Seule la chambre avec un mouvement appelé « bascule » et une loi au nom imprononçable (Scheimpflug) permet d’obtenir une image nette de quelques dizaines de centimètre à l’infini et ce à pleine ouverture.

Merci à tous, à la semaine prochaine
Bernard Naccache 

Pour ce septième conseil, nous allons découvrir le voilier Endeavour, class J.

La Classe J prend ses racines dans la plus ancienne course sportive dans le monde, La Coupe de l’America. Cet événement international est né d’une course autour de l’île de Wight, organisée par le Royal Yacht Squadron. L’Endeavour a été commandée par Sir T.O.M. Sopwith, en 1934. Sa conception était très novatrice pour l’époque. Avec son expérience dans la conception des avions, Sopwith a appliqué la technologie aéronautique à la plateforme, aux winchs et aux voiles (génois, spinnaker, etc.). Pour des raisons financières son équipage fait  grève juste avant la course, poussant Sopwith à prendre des équipiers amateurs. Le bateau remporte de nombreuses courses, mais ne gagna pas la coupe. Le bateau retourne en Angleterre pour dominer la scène de la course britannique jusqu’en 1938. Au cours des 46 années suivantes, Endeavour passe entre plusieurs mains, son destin ne tient souvent qu’à un fil. Dans les années quatre-vingt, il est en état d’épave, c’est la navigatrice Élisabeth Meyer qui l’achète et entreprends sa reconstruction. Endeavour reprend la mer, le 22 Juin 1989, pour la première fois depuis 52 ans. Sa stature et son design parfait permet des possibilités multiples pour aborder les points de vue. Son dynamisme, ses détails et les rapports à l’environnement (mer, cotes, autres bateaux) seront mis en valeur. On notera que les photographies verticales deviennent difficiles pour ce type de modèle.

La taille du bateau
Longueur: 39.56 m
Largeur: 6.72 m
Tirant d’eau : 4.76 m
Surface de toiles: 710.8 m2
Poids: 143 tonnes
Construction: Acier et bois

Merci à tous, à la semaine prochaine.
Stéphane CESNEAU

On parle encore d’objectif et des plus longs d’entre eux.

Le téléobjectif (ou long foyer) ou télé pour les intimes! 

Dans le classement il fait partie des longues focales. C’est la longue vue en photo.
Sont considérés comme télés, les focales supérieures à la focale normale.
En première intention, on fait l’acquisition de cet objectif parce que le sujet est loin, c’est l’objectif du chasseur d’images ou qu’on veut rester discret c’est le cas du paparazzo (ou des paparazzi).

Pour un 24×36, au dessus du 50 mm nous avons :

85 mm > 28°   105 mm>23°    135mm >180°   200mm>12°   300mm >8°  1000mm>3°.

L’angle du champ du télé est plutôt étroit. Plus la focale est longue plus le champ de vision est rétrécit. Il est très sensible aux vibrations et nécessite souvent des vitesses rapides ou l’usage d’un trépied pour éviter les flous de bougé.

Des caractéristiques remarquables : 

Le téléobjectif n’est plus la réalité, il parait aussi plus prés.
La perspective est aussi exagérée on dit tassée, la distance entre les plans paraît plus proche.  Si on choisit bien sa focale et son point de vue, deux plans mêmes distants semblent se toucher.

Pour des questions de perspective et de profondeur de champ les portraitistes ont fait du 85 mm* (un petit télé donc) leur objectif préféré.

* pour le 24×36

Le téléobjectif selon les appareils

Pour avoir un champ de 8° il faut un :

450 mm avec un 15,8×23,6 mm (petit capteur)

300 mm avec un 24×36 mm (grand capteur)

600 mm avec un 6×7 (moyen format)

900 mm avec une chambre de 10×12

Les très très longs télés

A l’instar des télescopes on trouve des téléobjectifs à miroirs (ou catadioptrique) fonctionnant à la fois avec des lentilles et des miroirs. très compacts (11 cm de long et 800 gr avec un angle de 5° pour un 500 mm) ils n’ont qu’un diaphragme disponible de ce fait on ajuste l’exposition avec la vitesse.

Les téléconverters 

Ce sont des compléments optiques qu’on insert entre le boitier et l’objectif qui vont doubler ou tripler la focale. Ils font perdre de la lumière et altère la qualité.

Le télé et les zooms : Le chasseur d’image, le photographe sportif sur le terrain, va préférer un zoom qui opère uniquement dans longues focales comme un 200-400 mm (pour le 24×36)

Merci à tous, à la semaine prochaine.

Bernard Naccache

Pour ce sixième conseil, nous allons aborder le Casino de la Jetée á Nice.
Le bâtiment est, à lui seul, un résumé incroyable de l’histoire de la ville de Nice à la Belle-Époque. Phare de la saison touristique, il est, pour nombre de niçois qui l’ont vu et côtoyé dans leur jeunesse, l’image d’une enfance dorée…

Après plusieurs demandes auprès de la Préfecture, M. de Saint Paul obtient la concession du domaine maritime d’une surface 6.500 m2, signée le 31 mars 1879. Les travaux commencèrent fin octobre 1880. Octobre 1882 : les trois corps de la bâtisse centrale, le dôme, les 2 terrasses latérales et leurs pavillons sont achevés. Bien que les aménagements intérieurs ne le soient pas, une première mise en exploitation s’effectue : ouverture des promenoirs, des terrasses et des espaces intérieurs du premier niveau. Le 4 avril 1883 à 17 h 30. Une énorme fumée s’élève au-dessus de la Jetée, une heure suffit à réduire la Jetée à un amas de poutrelles tordues.

Malgré un sursis et quelques tentatives de « soirées », la jetée ferme définitivement le 20 décembre 1942. La Jetée fut d’abord mi 1943 dépouillée de ses cuivres, de ses bronzes, de ses laitons, de ses câblages électrique et tous objets non ferreux. Malgré les protestations du Président du Conseil d’Administration. Après le départ des Italiens. Les Allemands en janvier 1944, décident de démolir la Jetée pour récupérer le métal qui la constituait.

Son architecture est le triomphe du verre et du fer. Il ne laisse personne indifférent, admirateurs de cet exploit technique et détracteurs qui y voient une verrue ou encore épouvantable méduse qui brise la ligne de la baie des Anges. C’est l’époque de la révolution industrielle, et les méthodes de construction changent. Le fer et le verre apparaissent comme nouveaux matériaux, et ces nouvelles architectures vont changer le visage de l’Europe et de l’Amérique. Il est difficile d’appréhender un bâtiment qui a été détruit. Ce bâtiment a été construit sur pilotis, on peut imaginer la difficulté de réaliser sur la mer. La façade principale du bâtiment est tournée vers la promenade. Le fait de l’avoir construit sur la mer, détache le bâtiment des autres, ce qui met en valeur son architecture et son aspect unique.

http://www.dailymotion.com/video/xnik9g_nice-patrimoine-le-casino-de-la-jetee-promenade_tv#.UV24y1f91VsMerci à tous, à la semaine prochaine.

Stéphane CESNEAU

On parle toujours d’objectifs et de celui qui va ouvrir votre horizon et vous faire rentrer au cœur de l’action.

Le grand angle : (ou grand angulaire) 

Dans le classement, il fait parti des courtes focales. Sont considérés comme grands angles, les focales intérieures à la focale normale.
En première intention, on fait l’acquisition de cet objectif parce que l’on manque de recul ou qu’on veut photographier de grands espaces.
Pour un 24×36, en dessous du 50 mm, nous avons:

35 mm> 63°  28 mm> 75°  24 mm>84°   20 mm >94° 15 mm> 110°

Plus court on change de catégorie, la déformation est similaire à ce qu’on voit dans un judas de porte, c’est le cas des fisheyes dont l’angle est proche de 180°.

L’angle de champ, selon la définition, c’est l’angle embrassé par l’objectif, concrètement c’est ce qu’on voit dans le viseur. Plus la focale est courte plus le champ de vision est important.

Des caractéristiques remarquables : 

Le grand angle n’est plus la réalité, il ne fait pas que voir large.
Si on regarde alternativement le sujet et dans le viseur on verra de grandes différences, d’autant plus accentuées que la focale est courte.
Le sujet est plus petit que la réalité, il parait aussi loin.
La perspective est exagérée, la distance entre les plans paraît plus importante. Le premier plan est gros, l’arrière plan est plus petit et plus loin. De ce fait il est sensible aux choix du point de vue.

En reportage, comme on est au coeur de l’action, on adore le 35 mm (avec un 24×36), sans déformations significatives, il donne une belle aération à la scène et comme on est plus près du sujet on lui donne de l’importance.
En photo de personnage, beaucoup de photographes ont fait du grand angle leur signature. Un modèle en contre plongée paraîtra plus élancé.
En architecture (on y vient) il est sur le fil du rasoir, alternant entre le sublime et l’exagération, et comme toujours, un défaut s’il est venu et contrôlé peut devenir un effet.

Le grand angle selon les appareils
Pour avoir un champ de 90° il faut un :

14 mm avec un 15,8×23,6 mm (petit capteur)

20 mm avec un 24×36 mm (grand capteur)

50 mm avec un 6×7 (moyen format)

90 mm avec une chambre de 10×12

Les très très grands angles 

Ce sont les fisheyes, ils déforment tellement qu’un portrait devient une vulgaire caricature et un personnage un « monstre ».
C’est par contre l’objectif favori des métérologues et astrophysiciens qui, en projetant ces images du ciel fait avec un 180° sur un écran hémisphérique, retrouvent la sensation de la voute céleste.

Le grand angle et les zooms : Le reporter sur le terrain, va préférer un zoom qui opère uniquement dans les grands angles comme le 14-24 mm (pour le 24×36)

Merci à tous, à la semaine prochaine.

Bernard Naccache

Pour ce cinquième conseil, nous allons aborder le phare Ar-Men, à la pointe ouest de la Bretagne. Le phare est le tout dernier point lumineux de l’Europe avant le continent américain. Le phare est certainement le plus célèbre, en raison de son caractère très isolé, des difficultés considérables qu’a présentées sa construction et du danger qu’il y avait à relever son personnel. Il a été surnommé par ces derniers «l’Enfer des Enfers». « AR
MEN » en breton signifie la Pierre.

Hauteur de l’édifice: 37 m, Portée de la lanterne: 23,5 milles (37,60km).

L’historique:

La construction du phare a duré 14 ans. En mai 1867 le chantier commence, on ne put accoster la roche que 7 fois en un an. La première tâche des constructeurs de phare est évidemment d’établir un système d’accostage.
On perce de trous dans la roche pour y sceller des barres de fer qui serviront à fixer la maçonnerie. Les premières pierres sont posées en mai 1869. Le ciment est préparé à l’eau de mer. Le 18 février 1881 le phare est allumé pour essai. Mais le bâtiment n’est pas suffisamment stable, compte tenu de sa hauteur.
On décide de lancer des travaux visant à alourdir l’édifice et à en renforcer la base, après avoir fait refaire des calculs de stabilité qui montrent que le phare est effectivement trop léger. Commencé en 1897, le chantier ne s’achève qu’en 1902.
Et cent ans plus tard, la tour noire et blanche continue d’éclairer la terrible chaussée de Sein. Des feux colorés apparaissent en 1835. La couleur rouge est le plus souvent employée car à grande distance elle est plus brillante que les autres, et a donc une portée plus grande (l’atmosphère absorbe moins les rayons rouges que les autres).

Les vues:

Il est en général difficile appréhender une vue sur un bâtiment rond, car il n’y a aucune arrête vive. Donc le dynamisme ne peut venir que de l’environnement. Ici pour le phare, la mise en situation du dynamisme est créé par la mer, le ciel ou par des bateaux;

Merci à tous, à la semaine prochaine.

Stéphane CESNEAU

Pour finaliser les remarques sur les perspectives, je vous invite á regarder ce film sur Vimeo: